본 연구는 한국창작무용 안무가들이 인식하는 무대의상 역할 분석에 무용의상의 역할과 안무 활동의 환경에 대한 사례를 심층적으로 분석하였다. 연구의 목적 달성을 위해 서울과 경기지역에서 안무 활동을 하고 있는 25-35세 이하의 안무가 4명을 대상으로 유목적 표집 후 질적 사례연구를 실시하였다. 첫째, 무용의상의 역할에 있어 의상은 제일 중요한 요소는 아니다. 하지만 의상은 작품을 설명하고 관객의 이해를 돕기 위해 꼭 필요한 요소이며 작품의 완성도를 위해 작품에 완벽한 조화를 이뤄야 하며 그것으로부터 오는 안무자의 성취감은 높은 것을 알 수 있었다. 또한 디자이너와의 원활한 소통을 통해 자신만의 추구하는 스타일이나 느낌을 살려 작품의 완성도와 통일성을 이뤄내야 한다. 무용의 특성상 몸짓과 표정만으로 관객과 소통을 하고 스토리를 이어나가야 한다. 의상을 통해 시대적 설명과 인물의 성격, 성별, 직업 등을 시각적으로 표현 할 수 있는 것을 알 수 있었다. 즉 의상은 주제와 디자인의 특성, 인물의 동작, ...
본 연구는 한국창작무용 안무가들이 인식하는 무대의상 역할 분석에 무용의상의 역할과 안무 활동의 환경에 대한 사례를 심층적으로 분석하였다. 연구의 목적 달성을 위해 서울과 경기지역에서 안무 활동을 하고 있는 25-35세 이하의 안무가 4명을 대상으로 유목적 표집 후 질적 사례연구를 실시하였다. 첫째, 무용의상의 역할에 있어 의상은 제일 중요한 요소는 아니다. 하지만 의상은 작품을 설명하고 관객의 이해를 돕기 위해 꼭 필요한 요소이며 작품의 완성도를 위해 작품에 완벽한 조화를 이뤄야 하며 그것으로부터 오는 안무자의 성취감은 높은 것을 알 수 있었다. 또한 디자이너와의 원활한 소통을 통해 자신만의 추구하는 스타일이나 느낌을 살려 작품의 완성도와 통일성을 이뤄내야 한다. 무용의 특성상 몸짓과 표정만으로 관객과 소통을 하고 스토리를 이어나가야 한다. 의상을 통해 시대적 설명과 인물의 성격, 성별, 직업 등을 시각적으로 표현 할 수 있는 것을 알 수 있었다. 즉 의상은 주제와 디자인의 특성, 인물의 동작, 무대 조명 등이 모두 조화롭게 표현 되어 결정해야 하고 무용이라는 특수성을 감안하여 제작되어야 한다. 따라서 안무자는 의상에 있어 자신만의 색깔과 구성을 갖고 작품에 임한다면 의상을 통해 관객에게 보다 나은 작품을 전달 할 수 있을 것 이다. 둘째, 안무활동의 환경에 있어 안무자는 무용수와의 소통이 중요한 것을 알 수 있었다. 또한 무대의상은 작품을 방해하는 색감이나 디자인을 선택하면 안 된다. 안무자는 의상디자이너에게 그만한 값을 할 수 있는 창의적인 디자인을 원하며 디자이너 또한 그것은 자신만의 창작물이기 때문에 양심에 따라 값을 치러야 한다. 따라서 자신이 원하는 스타일과 의상활용을 통해 표현하기 위해서는 의상의 기본 지식을 습득해야 한다. 디자이너 또한 무용의상디자이너 이기 때문에 무용의 대한 이해도가 높아야 한다. 이러한 모든 것이 충족이 된 안무자와 디자이너의 합은 작품에 있어 좋은 시너지 효과를 창출 해 낼 수 있는 것을 알 수 있었다.
본 연구는 한국창작무용 안무가들이 인식하는 무대의상 역할 분석에 무용의상의 역할과 안무 활동의 환경에 대한 사례를 심층적으로 분석하였다. 연구의 목적 달성을 위해 서울과 경기지역에서 안무 활동을 하고 있는 25-35세 이하의 안무가 4명을 대상으로 유목적 표집 후 질적 사례연구를 실시하였다. 첫째, 무용의상의 역할에 있어 의상은 제일 중요한 요소는 아니다. 하지만 의상은 작품을 설명하고 관객의 이해를 돕기 위해 꼭 필요한 요소이며 작품의 완성도를 위해 작품에 완벽한 조화를 이뤄야 하며 그것으로부터 오는 안무자의 성취감은 높은 것을 알 수 있었다. 또한 디자이너와의 원활한 소통을 통해 자신만의 추구하는 스타일이나 느낌을 살려 작품의 완성도와 통일성을 이뤄내야 한다. 무용의 특성상 몸짓과 표정만으로 관객과 소통을 하고 스토리를 이어나가야 한다. 의상을 통해 시대적 설명과 인물의 성격, 성별, 직업 등을 시각적으로 표현 할 수 있는 것을 알 수 있었다. 즉 의상은 주제와 디자인의 특성, 인물의 동작, 무대 조명 등이 모두 조화롭게 표현 되어 결정해야 하고 무용이라는 특수성을 감안하여 제작되어야 한다. 따라서 안무자는 의상에 있어 자신만의 색깔과 구성을 갖고 작품에 임한다면 의상을 통해 관객에게 보다 나은 작품을 전달 할 수 있을 것 이다. 둘째, 안무활동의 환경에 있어 안무자는 무용수와의 소통이 중요한 것을 알 수 있었다. 또한 무대의상은 작품을 방해하는 색감이나 디자인을 선택하면 안 된다. 안무자는 의상디자이너에게 그만한 값을 할 수 있는 창의적인 디자인을 원하며 디자이너 또한 그것은 자신만의 창작물이기 때문에 양심에 따라 값을 치러야 한다. 따라서 자신이 원하는 스타일과 의상활용을 통해 표현하기 위해서는 의상의 기본 지식을 습득해야 한다. 디자이너 또한 무용의상디자이너 이기 때문에 무용의 대한 이해도가 높아야 한다. 이러한 모든 것이 충족이 된 안무자와 디자이너의 합은 작품에 있어 좋은 시너지 효과를 창출 해 낼 수 있는 것을 알 수 있었다.
This study analyses role of stage costumes and cases of choreography activities in depth, with an analysis of role of stage costumes that korean creative dance choreographers appreciate. To get to the goal of the study, purposeful sampling of 4 choreographers based on Seoul and Gyeonggi province of ...
This study analyses role of stage costumes and cases of choreography activities in depth, with an analysis of role of stage costumes that korean creative dance choreographers appreciate. To get to the goal of the study, purposeful sampling of 4 choreographers based on Seoul and Gyeonggi province of the age between 25 to 35 and qualitative case study were undergone. First, for the dancing costume’s role, costume is not the prime element. However, the costume is essential for helping audiences’ comprehension and needs a perfect harmony with an artwork in order to improve its degree of completion, and it could be seen that the sense of accomplishment of choreographers due to the costumes’ role was high. Also, rendering individual style and sense to accomplish the degree of completion and unity of the artwork with smooth communication with the designer is essential as well. Because of the nature of the dance, dancers communicate with the audience and continue the story solely with body motions and facial expressions. It could be known that explanation of the time period and the character’s personality, gender and profession are available visually by the costume. This also means that costumes should be decided according to the theme, the nature of the design, motion of the characters, and stage lighting being expressed in harmony altogether, and also should be made considering the distinctiveness of the dance genre itself. Therefore, choreographers would be able to show better version of their artworks if they work on the dance with their own characteristics and composition on their costumes. Secondly, on the environment of choreography activity, it could be known that communication between choreographers and dancers is important. Also, colours and designs that interrupts the artwork should not be selected for the stage costumes. Choreographers require creative designs that worth the cost to the costume designers, and for the designers themselves it is their own creation, so proper amount of price according to his own conscience is necessary. Therefore, to express one’s required style and application of the costumes, acquisition of basic knowledges of costumes are essential. Designers also needs high amount of understanding towards dancing, since they are dance costume designers as well. It could be known that successful collaboration between choreographer and designer with all these elements combined can create good synergy effect on the artwork.
This study analyses role of stage costumes and cases of choreography activities in depth, with an analysis of role of stage costumes that korean creative dance choreographers appreciate. To get to the goal of the study, purposeful sampling of 4 choreographers based on Seoul and Gyeonggi province of the age between 25 to 35 and qualitative case study were undergone. First, for the dancing costume’s role, costume is not the prime element. However, the costume is essential for helping audiences’ comprehension and needs a perfect harmony with an artwork in order to improve its degree of completion, and it could be seen that the sense of accomplishment of choreographers due to the costumes’ role was high. Also, rendering individual style and sense to accomplish the degree of completion and unity of the artwork with smooth communication with the designer is essential as well. Because of the nature of the dance, dancers communicate with the audience and continue the story solely with body motions and facial expressions. It could be known that explanation of the time period and the character’s personality, gender and profession are available visually by the costume. This also means that costumes should be decided according to the theme, the nature of the design, motion of the characters, and stage lighting being expressed in harmony altogether, and also should be made considering the distinctiveness of the dance genre itself. Therefore, choreographers would be able to show better version of their artworks if they work on the dance with their own characteristics and composition on their costumes. Secondly, on the environment of choreography activity, it could be known that communication between choreographers and dancers is important. Also, colours and designs that interrupts the artwork should not be selected for the stage costumes. Choreographers require creative designs that worth the cost to the costume designers, and for the designers themselves it is their own creation, so proper amount of price according to his own conscience is necessary. Therefore, to express one’s required style and application of the costumes, acquisition of basic knowledges of costumes are essential. Designers also needs high amount of understanding towards dancing, since they are dance costume designers as well. It could be known that successful collaboration between choreographer and designer with all these elements combined can create good synergy effect on the artwork.
※ AI-Helper는 부적절한 답변을 할 수 있습니다.