일상에서 우리는 매 순간 살아있음을 의식하지는 않는다. 존재를 잊고 지내듯 죽음 역시 망각하며 살아간다. 오히려 애써 잊으려 등을 돌린 채 살아간다고 볼 수도 있다. 그것은 죽음이 우리에게 이 세계와 주변인들과의 단절로 인한 두려움, 불안, 슬픔과 같은 부정적 감정을 가져오기 때문일 것이다. 삶에 대한 애착과 자기 보존 의지를 가지고 있는 인간은 이러한 부정적 감정을 야기하는 죽음을 삶을 위협하는 요소로 인식하게 되고 외면하게 된다. 하이데거(Martin Heidegger, 1889～1976)에 따르면 “사람은 죽는다”는 말에는 우리 자신의 죽음이 빠져있다. 그가 지적하고 있듯이 ‘나’ 대신 ‘사람’이라는 단어를 사용함으로써 자기 자신의 죽음에 대한 두려움을 중성화하고 은폐하는 것이다. 죽음을 보편화시키는 중성화 화법을 통해 누구도 죽음을 피할 수 없지만, ‘나의 죽음’은 배제시키는 의식이 내재되어 있다는 것이다. 그러나 누군가의 죽음 앞에서 그의 삶을 되돌아보지 않을 수 없듯이 죽음의 의미를 묻는 것은 ...
일상에서 우리는 매 순간 살아있음을 의식하지는 않는다. 존재를 잊고 지내듯 죽음 역시 망각하며 살아간다. 오히려 애써 잊으려 등을 돌린 채 살아간다고 볼 수도 있다. 그것은 죽음이 우리에게 이 세계와 주변인들과의 단절로 인한 두려움, 불안, 슬픔과 같은 부정적 감정을 가져오기 때문일 것이다. 삶에 대한 애착과 자기 보존 의지를 가지고 있는 인간은 이러한 부정적 감정을 야기하는 죽음을 삶을 위협하는 요소로 인식하게 되고 외면하게 된다. 하이데거(Martin Heidegger, 1889～1976)에 따르면 “사람은 죽는다”는 말에는 우리 자신의 죽음이 빠져있다. 그가 지적하고 있듯이 ‘나’ 대신 ‘사람’이라는 단어를 사용함으로써 자기 자신의 죽음에 대한 두려움을 중성화하고 은폐하는 것이다. 죽음을 보편화시키는 중성화 화법을 통해 누구도 죽음을 피할 수 없지만, ‘나의 죽음’은 배제시키는 의식이 내재되어 있다는 것이다. 그러나 누군가의 죽음 앞에서 그의 삶을 되돌아보지 않을 수 없듯이 죽음의 의미를 묻는 것은 삶의 의미를 묻는 것과 같다. 그러한 의미에서 언젠가 있을 죽음을 진지하게 받아들이고 분명하게 의식하는 것은 자신의 실존적 존재 인식을 고취시키고 삶을 다시 바라보게 하는 힘을 갖게 한다. 죽음은 삶과 배타적인 것이 아니라 삶 속에서 우리의 존재를 규정하고 있으며, 삶을 재구성하는 자기 성찰의 계기로 작용하는 것이다. 죽음의 이미지는 중세 후기 부패한 시체의 표현인 ‘트랑시(Transi)’를 시작으로, 종교적 교훈을 담고 있는 ‘죽음의 춤(Danse Macabre)’을 비롯한 ‘메멘토 모리(Memento Mori)’의 도상들, 17세기의 삶의 덧없음을 표현한 ‘바니타스(Vanitas)’정물화들, 그리고 현대의 ‘사물화’와 ‘파편화’를 특징으로 ‘비천함(Abjection)’을 상기시키는 그로테스크한 신체 작품들까지 시대와 문화, 작가에 따라 그 모습을 달리해왔다. 이렇게 미술의 역사에서 죽음의 이미지를 따라가다 보면 시대적, 문화적, 개별적 다름에도 불구하고 대개 공통된 감정과 만나게 된다. 그것은 그로테스크한 느낌으로 우리가 죽음을 대면할 때 느끼게 되는 불안, 두려움, 고통과 슬픔 같은 받아들이기 힘든 감정의 덩어리들이 시각화된 죽음의 이미지를 통해 다시금 되살아나기 때문이다. ‘그로테스크(Grotesque)’라는 용어는 시대에 따라 또는 여러 작가들에 의해, 그 의미가 변화해왔다. 현대에 와서는 다의적인 의미를 가지게 되는데 과거에는 우스꽝스러운 것 또는 기이하고 괴상한 것만을 의미하였다면 점차 이러한 것들이 복잡하게 얽혀있거나, 무섭지만 끌리는, 친숙했던 것이 낯설어진 세계에 대한 표현들을 그로테스크라 부르게 되었다. 포스트모던 이후 그로테스크는 물질적 신체와 유희를 강조하는 바흐친의 ‘카니발 그로테스크’와 소외와 공포의 심리를 강조하는 프로이트의 ‘언캐니 그로테스크’의 두 축에서 상호 보완되는 개념으로 확장되고 있다. 1980년대 이후 진전된 포스트모던 미술의 주제로서 죽음을 시각화한 죽음의 이미지는 모더니즘에서 배제되었던 ‘재현의 복귀’와 후기구조주의의 ‘해체’적 성격과 맞물려 ‘사물화, 파편화, 비천함’을 특징으로 하는 그로테스크한 신체 미술로 재등장한다. 과거의 신체가 이상적 재현으로서의 미적 대상이라면, 현대의 신체는 도구화되어 자유 의지에 따라 통제, 변형, 왜곡된 신체로 변모하였다. 이에 따라 동시대의 작가들에게 나타난 신체 이미지 역시 배설물과 분비물, 시체의 이미지를 포함한 비천함(Abjection)을 강조하고 신체를 부분으로 교환과 변형, 재조합이 가능한 파편화된 이미지로 언캐니/카니발 그로테스크가 혼재되어 나타나는 경향이 짙다. 본 논문은 연구자의 작품에서 나타나는 ‘죽음’이라는 주제에 대한 학문적 고찰과 죽음 이미지에 나타난 그로테스크한 표현에 대해 연구한 논문이다. 논문의 구성은 크게 보아 작품의 주제적 측면에서의 이론적 연구와 작품에서 드러나는 형상적 측면에서의 그로테스크한 표현에 관한 두 가지 측면으로 이루어져 있다. 주제적 측면에서 죽음에 대한 철학적 고찰과 미술사 속의 죽음의 이미지를 분석함으로써 연구자의 작품 형성의 정신적 배경을 밝히고자 했다. 형상적 측면에서 죽음 이미지의 그로테스크한 표현은 그 개념과 더불어 포스트모던 이후 동시대 신체미술 속에서 그 흐름을 살펴보고, 프로이트의 ‘언캐니(Uncanny)’, 바흐친의 ‘카니발레스크(Carnivalesque)’, 크리스테바의 ‘아브젝트(Abject)’개념을 통해 연관성을 서술하였다. 또한 죽음 이미지의 그로테스크 표현을 크게 세 가지 유형으로 분류하고 작가별 사례를 연구하였다. 이를 통해 본인 작품에 나타난 죽음의 이미지의 형성 배경과 그로테스크와의 연관성을 발견하고 향후 작품에 적용할 다양한 표현을 연구하는 계기로 삼을 것이다. 삶을 반영하는 것이 예술이라고 볼 때 그 연장선에 있는 죽음 역시 예술의 영원한 주제이며, 죽음의 사유를 통한 인간 존재의 이해와 자기 성찰은 예술 표현의 중요한 과제일 것이다.
일상에서 우리는 매 순간 살아있음을 의식하지는 않는다. 존재를 잊고 지내듯 죽음 역시 망각하며 살아간다. 오히려 애써 잊으려 등을 돌린 채 살아간다고 볼 수도 있다. 그것은 죽음이 우리에게 이 세계와 주변인들과의 단절로 인한 두려움, 불안, 슬픔과 같은 부정적 감정을 가져오기 때문일 것이다. 삶에 대한 애착과 자기 보존 의지를 가지고 있는 인간은 이러한 부정적 감정을 야기하는 죽음을 삶을 위협하는 요소로 인식하게 되고 외면하게 된다. 하이데거(Martin Heidegger, 1889～1976)에 따르면 “사람은 죽는다”는 말에는 우리 자신의 죽음이 빠져있다. 그가 지적하고 있듯이 ‘나’ 대신 ‘사람’이라는 단어를 사용함으로써 자기 자신의 죽음에 대한 두려움을 중성화하고 은폐하는 것이다. 죽음을 보편화시키는 중성화 화법을 통해 누구도 죽음을 피할 수 없지만, ‘나의 죽음’은 배제시키는 의식이 내재되어 있다는 것이다. 그러나 누군가의 죽음 앞에서 그의 삶을 되돌아보지 않을 수 없듯이 죽음의 의미를 묻는 것은 삶의 의미를 묻는 것과 같다. 그러한 의미에서 언젠가 있을 죽음을 진지하게 받아들이고 분명하게 의식하는 것은 자신의 실존적 존재 인식을 고취시키고 삶을 다시 바라보게 하는 힘을 갖게 한다. 죽음은 삶과 배타적인 것이 아니라 삶 속에서 우리의 존재를 규정하고 있으며, 삶을 재구성하는 자기 성찰의 계기로 작용하는 것이다. 죽음의 이미지는 중세 후기 부패한 시체의 표현인 ‘트랑시(Transi)’를 시작으로, 종교적 교훈을 담고 있는 ‘죽음의 춤(Danse Macabre)’을 비롯한 ‘메멘토 모리(Memento Mori)’의 도상들, 17세기의 삶의 덧없음을 표현한 ‘바니타스(Vanitas)’정물화들, 그리고 현대의 ‘사물화’와 ‘파편화’를 특징으로 ‘비천함(Abjection)’을 상기시키는 그로테스크한 신체 작품들까지 시대와 문화, 작가에 따라 그 모습을 달리해왔다. 이렇게 미술의 역사에서 죽음의 이미지를 따라가다 보면 시대적, 문화적, 개별적 다름에도 불구하고 대개 공통된 감정과 만나게 된다. 그것은 그로테스크한 느낌으로 우리가 죽음을 대면할 때 느끼게 되는 불안, 두려움, 고통과 슬픔 같은 받아들이기 힘든 감정의 덩어리들이 시각화된 죽음의 이미지를 통해 다시금 되살아나기 때문이다. ‘그로테스크(Grotesque)’라는 용어는 시대에 따라 또는 여러 작가들에 의해, 그 의미가 변화해왔다. 현대에 와서는 다의적인 의미를 가지게 되는데 과거에는 우스꽝스러운 것 또는 기이하고 괴상한 것만을 의미하였다면 점차 이러한 것들이 복잡하게 얽혀있거나, 무섭지만 끌리는, 친숙했던 것이 낯설어진 세계에 대한 표현들을 그로테스크라 부르게 되었다. 포스트모던 이후 그로테스크는 물질적 신체와 유희를 강조하는 바흐친의 ‘카니발 그로테스크’와 소외와 공포의 심리를 강조하는 프로이트의 ‘언캐니 그로테스크’의 두 축에서 상호 보완되는 개념으로 확장되고 있다. 1980년대 이후 진전된 포스트모던 미술의 주제로서 죽음을 시각화한 죽음의 이미지는 모더니즘에서 배제되었던 ‘재현의 복귀’와 후기구조주의의 ‘해체’적 성격과 맞물려 ‘사물화, 파편화, 비천함’을 특징으로 하는 그로테스크한 신체 미술로 재등장한다. 과거의 신체가 이상적 재현으로서의 미적 대상이라면, 현대의 신체는 도구화되어 자유 의지에 따라 통제, 변형, 왜곡된 신체로 변모하였다. 이에 따라 동시대의 작가들에게 나타난 신체 이미지 역시 배설물과 분비물, 시체의 이미지를 포함한 비천함(Abjection)을 강조하고 신체를 부분으로 교환과 변형, 재조합이 가능한 파편화된 이미지로 언캐니/카니발 그로테스크가 혼재되어 나타나는 경향이 짙다. 본 논문은 연구자의 작품에서 나타나는 ‘죽음’이라는 주제에 대한 학문적 고찰과 죽음 이미지에 나타난 그로테스크한 표현에 대해 연구한 논문이다. 논문의 구성은 크게 보아 작품의 주제적 측면에서의 이론적 연구와 작품에서 드러나는 형상적 측면에서의 그로테스크한 표현에 관한 두 가지 측면으로 이루어져 있다. 주제적 측면에서 죽음에 대한 철학적 고찰과 미술사 속의 죽음의 이미지를 분석함으로써 연구자의 작품 형성의 정신적 배경을 밝히고자 했다. 형상적 측면에서 죽음 이미지의 그로테스크한 표현은 그 개념과 더불어 포스트모던 이후 동시대 신체미술 속에서 그 흐름을 살펴보고, 프로이트의 ‘언캐니(Uncanny)’, 바흐친의 ‘카니발레스크(Carnivalesque)’, 크리스테바의 ‘아브젝트(Abject)’개념을 통해 연관성을 서술하였다. 또한 죽음 이미지의 그로테스크 표현을 크게 세 가지 유형으로 분류하고 작가별 사례를 연구하였다. 이를 통해 본인 작품에 나타난 죽음의 이미지의 형성 배경과 그로테스크와의 연관성을 발견하고 향후 작품에 적용할 다양한 표현을 연구하는 계기로 삼을 것이다. 삶을 반영하는 것이 예술이라고 볼 때 그 연장선에 있는 죽음 역시 예술의 영원한 주제이며, 죽음의 사유를 통한 인간 존재의 이해와 자기 성찰은 예술 표현의 중요한 과제일 것이다.
In our daily lives, we do not think about being alive at every moment. Just as we do not consciously think of our existence, we often forget about the fact that we will one day pass away. On the contrary, it can be said that we would rather live disregarding the thought of our death. That may be bec...
In our daily lives, we do not think about being alive at every moment. Just as we do not consciously think of our existence, we often forget about the fact that we will one day pass away. On the contrary, it can be said that we would rather live disregarding the thought of our death. That may be because death brings us negative feelings such as fear, anxiety, and sadness from the disconnection from this world and our loved ones. Human beings have an attachment to their lives and an inherent need for self-preservation; thus, death is being neglected since it is recognized as an element that threatens our existence. According to Martin Heidegger(1889～1976), the words “Humans die” do not include our own death. As he points out, we neutralize and conceal fears of our own death by using the word ‘Human’ instead of ‘me’. In other words, we exclude ‘our own death’ from conscious thought through this neutralized speech. However, just as one cannot help looking back at his or her life in the face of someone’s death, asking the meaning of death is equivalent to asking the meaning of life. In that sense, taking death seriously and being clearly conscious of it for the future gives you the power to inspire your own existential awareness and to re-examine the way we live. Death cannot be separated from life, but defines our existence in life and can be used as an opportunity for self-reflection and to reconfigure our lives in a more productive way. Images of death appear in ‘Transi’ which was a carved expression of a rotten dead body in the late medieval period, and in one of the artistic forms of ‘Memento Mori’ such as ‘Danse Macabre’ that contains a religious lesson in the Renaissance period. After that, it changed its shape into the still art of ‘Vanitas’ that expressed the frailty of life, and finally, to contemporary grotesque body art that has features of ‘objectification’, ‘fragmentation’, and ‘abjection’. Despite the differences in the image of death throughout different eras, cultures, and artists, there are common emotions that are shared among them. They’re generally described as a grotesque group of feelings that include anxiety, pain, and sadness, which are difficult emotions for people to bear. Images of death often invoke these feelings. The meaning of grotesque has been changed by various writers in different eras. In modern time, the word grotesque' has various meanings. In the past, its meaning was ludicrous, eccentric, or bizarre, but gradually the description of the word ‘grotesque' has changed its meaning; one, the mixture of all those odd feelings, and two, something scary however attractive, or when the friendly world becomes unfriendly. After the postmodern era, the word ‘grotesque’ has expanded its definition based on Bakhtin’s ‘Carnival Grotesque’ which emphasizes a body as material and entertainment, and Freud’s ‘Uncanny Grotesque’ which emphasizes a sense of alienation and fear. Since the 1980s, grotesque body art featuring ‘objectification, fragmentation, and abjection’ re-emerged as an advanced theme of postmodern art. Its visualization of death coincided with the ‘Return of realism’ and the character of ‘Disintegration’ in Post-structuralism which were excluded from Modernism. The human body as an art object in the past was aesthetically beautiful and meant to represent the ideal form. However, nowadays, it has been tooled so that it could be controlled, transformed, and contorted. Therefore, the body images shown by contemporary artists emphasizes excrement, secretion, and dead body images including abjection, and there is a strong tendency of the Uncanny/Carnival grotesque mixed as fragmented images which can be exchanged, transformed, and recombined. This thesis is for academic consideration on the theme of ‘death’ and is divided into two different aspects of death. First, the study on the esthetics of subject in the researcher’s art, and second, the study of grotesque expression of the researcher’s art. For the study on the esthetics of subject in the researcher’s art, the philosophical consideration on death and the death image in art history will be defined to clarify the researcher’s psychological background. The grotesque death image of the researcher’s art and its concept were found in contemporary art after the postmodernism era, and connection point with grotesque expressions in the researcher's art was explained based on Freud’s ‘Uncanny’, Bakhtin’s ‘Carnivalesque’, and Kristeva’s ‘Abject’. Additionally, the researcher categorized the grotesque expression of death in three different categories and studied the precedent artists who expressed grotesque death image in their art. Through the process, the researcher found the background of formation between the death expression in the researcher’s art and grotesque, and hence, this would be an opportunity for the researcher to learn various expressions to apply to the researcher’s art. Art reflects life and life embraces death. Therefore, death will always be a basilic subject for expression of art, and also serve to further our understanding of human existence and introspection.
In our daily lives, we do not think about being alive at every moment. Just as we do not consciously think of our existence, we often forget about the fact that we will one day pass away. On the contrary, it can be said that we would rather live disregarding the thought of our death. That may be because death brings us negative feelings such as fear, anxiety, and sadness from the disconnection from this world and our loved ones. Human beings have an attachment to their lives and an inherent need for self-preservation; thus, death is being neglected since it is recognized as an element that threatens our existence. According to Martin Heidegger(1889～1976), the words “Humans die” do not include our own death. As he points out, we neutralize and conceal fears of our own death by using the word ‘Human’ instead of ‘me’. In other words, we exclude ‘our own death’ from conscious thought through this neutralized speech. However, just as one cannot help looking back at his or her life in the face of someone’s death, asking the meaning of death is equivalent to asking the meaning of life. In that sense, taking death seriously and being clearly conscious of it for the future gives you the power to inspire your own existential awareness and to re-examine the way we live. Death cannot be separated from life, but defines our existence in life and can be used as an opportunity for self-reflection and to reconfigure our lives in a more productive way. Images of death appear in ‘Transi’ which was a carved expression of a rotten dead body in the late medieval period, and in one of the artistic forms of ‘Memento Mori’ such as ‘Danse Macabre’ that contains a religious lesson in the Renaissance period. After that, it changed its shape into the still art of ‘Vanitas’ that expressed the frailty of life, and finally, to contemporary grotesque body art that has features of ‘objectification’, ‘fragmentation’, and ‘abjection’. Despite the differences in the image of death throughout different eras, cultures, and artists, there are common emotions that are shared among them. They’re generally described as a grotesque group of feelings that include anxiety, pain, and sadness, which are difficult emotions for people to bear. Images of death often invoke these feelings. The meaning of grotesque has been changed by various writers in different eras. In modern time, the word grotesque' has various meanings. In the past, its meaning was ludicrous, eccentric, or bizarre, but gradually the description of the word ‘grotesque' has changed its meaning; one, the mixture of all those odd feelings, and two, something scary however attractive, or when the friendly world becomes unfriendly. After the postmodern era, the word ‘grotesque’ has expanded its definition based on Bakhtin’s ‘Carnival Grotesque’ which emphasizes a body as material and entertainment, and Freud’s ‘Uncanny Grotesque’ which emphasizes a sense of alienation and fear. Since the 1980s, grotesque body art featuring ‘objectification, fragmentation, and abjection’ re-emerged as an advanced theme of postmodern art. Its visualization of death coincided with the ‘Return of realism’ and the character of ‘Disintegration’ in Post-structuralism which were excluded from Modernism. The human body as an art object in the past was aesthetically beautiful and meant to represent the ideal form. However, nowadays, it has been tooled so that it could be controlled, transformed, and contorted. Therefore, the body images shown by contemporary artists emphasizes excrement, secretion, and dead body images including abjection, and there is a strong tendency of the Uncanny/Carnival grotesque mixed as fragmented images which can be exchanged, transformed, and recombined. This thesis is for academic consideration on the theme of ‘death’ and is divided into two different aspects of death. First, the study on the esthetics of subject in the researcher’s art, and second, the study of grotesque expression of the researcher’s art. For the study on the esthetics of subject in the researcher’s art, the philosophical consideration on death and the death image in art history will be defined to clarify the researcher’s psychological background. The grotesque death image of the researcher’s art and its concept were found in contemporary art after the postmodernism era, and connection point with grotesque expressions in the researcher's art was explained based on Freud’s ‘Uncanny’, Bakhtin’s ‘Carnivalesque’, and Kristeva’s ‘Abject’. Additionally, the researcher categorized the grotesque expression of death in three different categories and studied the precedent artists who expressed grotesque death image in their art. Through the process, the researcher found the background of formation between the death expression in the researcher’s art and grotesque, and hence, this would be an opportunity for the researcher to learn various expressions to apply to the researcher’s art. Art reflects life and life embraces death. Therefore, death will always be a basilic subject for expression of art, and also serve to further our understanding of human existence and introspection.
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