자아의 경계를 확장시키는 숭고한 체험적 공간 표현에 관한 연구 : 연구자의 ‘별’ 시기 작품을 중심으로 A study on Sublime Experiential expression of space to Expand the Boundaries of Ego : Focused on the researcher’s artwork in ‘Star’ period원문보기
본 연구는 미술사적으로 숭고의 가시적 표현을 대상으로 관련 작품과 특징들을 살펴보고 연구자의 작품에 나타난 숭고의 의미와 그 표현 방식을 분석하고자 한다. 연구 대상 작품은 무한 반복과 확장성, 작품의 규모, 그리고 프랙털 등의 표현 기법의 중요성이 강조되었다. 연구자는 이러한 표현 기법과 표현 매체의 새로운 가능성을 제시하고자 한다. 본 연구에서 연구자는 ‘비가시적(invisible) 경험의 숭고미’를 ‘가시화(...
본 연구는 미술사적으로 숭고의 가시적 표현을 대상으로 관련 작품과 특징들을 살펴보고 연구자의 작품에 나타난 숭고의 의미와 그 표현 방식을 분석하고자 한다. 연구 대상 작품은 무한 반복과 확장성, 작품의 규모, 그리고 프랙털 등의 표현 기법의 중요성이 강조되었다. 연구자는 이러한 표현 기법과 표현 매체의 새로운 가능성을 제시하고자 한다. 본 연구에서 연구자는 ‘비가시적(invisible) 경험의 숭고미’를 ‘가시화(visualization)’ 하기 위한 연구 작품의 시각적 구성과 의미를 분석한다. 이로써 연구자는 별과 우주로부터 받은 영감이 수행적 미술 작업을 통해 숭고한 체험으로 승화되었음을 증명한다. 그 과정에서 연구자는 ‘삼중 우주론’과 ‘삼각형 추상’을 정립하였으며, 평면 회화의 평면성을 강조하며 입체적 층의 공간으로 표현된 ‘하이퍼-추상’에 도달했다. 연구자는 비가시적 경험을 통해 궁극적으로 존재론적 숭고에 관한 탐구에 도달했고, 사유의 결과로써 우주적 정신성에 대한 철학의 계기를 마련하였다. 별의 외상 이면에 존재하고 있는 어떤 비가시성과 비가시적 존재를 가시화하는 작업을 통해 ‘우주적 정신성의 표출’에 주력했다. 이를 통해 빛 – 어둠 그리고 보이는 것 - 보이지 않는 것의 양자를 함께 구성하기 시작하였다. ‘행위’와 ‘공간’의 개념은 연구자의 작품 제1기 ‘퍼포먼스 시기(2003∼2014년)’와 제2기 ‘별의 시기(2014∼2022년)’ 회화 전반에 걸쳐 작품 활동의 근간이 되어 일관되게 흐르고 있음을 알 수 있다. 퍼포먼스를 비롯한 다중적 매체 실험을 시도한 제1기와, ‘별’에 집중하여 우주의 정신성과 숭고의 체험을 표현한 제2기에 걸쳐 나타나는 일관된 특징은 미술 작업이라는 수행적 행위를 통해 조형 의지를 표현하였다는 점이다. 연구자의 퍼포먼스 시기에 재현하고자 했던 무의식의 세계는 ‘별’ 도상을 활용한 회화로 마무리되면서 본격적인 별 시기에 들어섰다. 무의식적 상상력을 통한 초현실적 팝아트를 하던 퍼포먼스 시기에서부터 현재의 별 시기로 오기까지 ‘행위’라는 공통분모는 현재성을 가지고 진행 중이다. ‘별 시기’에도 다양한 작업 과정의 ‘수행성’을 거치며 그것이 만들어내는 ‘환영’에 국한되지 않고 다양한 매체 활동을 통한 ‘탈주’를 거듭 시도하였다. 연구자는 미술사의 숭고미에 관한 선행연구를 토대로 연구를 수행하여 기초이론을 정리하였고 연구자의 작품해석과 관련된 자료들을 기초로 하여 문헌을 연구함으로써 연구의 바탕을 마련하고자 하였다. 본 연구는 동시대의 공간과 그 경계에 대한 고찰에서부터 매체의 확장성에 관한 고찰로까지 연구 내용이 이어졌다. 그 결과 연구자는 디지털 매체와 우주적 정신성 간에 ‘확장성’의 측면에서 유사성을 발견하였다. 연구자는 예술에 있어서 정신성이 우주적 영성으로 진화하는 과정을 보여주었다. 연구자는 물질적 우주에서 정신적 우주로, 그리고 영적 우주로 진화하고자 하는 부단한 노력으로 삼중 우주론의 개념을 정립하고자 하였다. 본 연구에서 다룬 연구자의 작품에서, 연구자는 보이지 않는 것으로부터 받은 영감이 숭고한 체험을 거쳐 존재론적 확장에 이르는 과정을 보여주고 있다. 이러한 연구 결과는 향후 숭고미의 실재론 분석 및 작가 연구에 이바지할 것으로 기대된다. 연구자는 작품에서 숭고한 경험을 상징하는 비가시적 소재들로 밤하늘, 별빛, 샛별(모닝스타), 새별, 우주, 먼지, 세포 등을 사용하고 있다. 이러한 소재들을 사용하여 연구자는 작품에 우주적 영성의 상징과 숭고미의 미술사적 관념을 투영하고 있다. 더 나아가 연구자는 이러한 회화 작품을 통해 문학, 과학, 뷰티, 건축 등의 영역과 다양한 협업을 수행하였다. 이 또한 회화 작품으로 이룰 수 있는 존재론적 확장을 보여준다. 이러한 협업은 순수미술이 가진 보편적 특성-시각적으로 투영하는 방법적 요소를 통해 객관적 관찰자에게 직접 흡수되는 특성-을 여러 영역에 광범위하게 활용할 수 있음을 알게 해준다. 이는 순수미술이 가진 보편적 요소나 순수미술의 방법이 어떠한 양식으로 영역 확장에 도달하는지를 나타내는 것이다. 이러한 연구자의 지속적인 영역 확장에의 노력과 새로운 미적 추구는 회화적 순수가 가진 근원적 요소의 존재론적 확장을 보여준다고 할 수 있을 것이다. 연구자는 보이지 않는 것과 우주에 대한 인문학적·종교적 탐구를 밑바탕으로 하여 여러 가지 조형적 발전 요소를 창출하고자 시도하였다. 그 결과 연구자의 추상 개념에서는 사실성(reality)과 추상(abtract)의 경계가 사라졌다. 추상은 결과적으로 표현하고자 하는 주제와 요소 중에서 일면을 부각해 중점적이고 반복적으로 표현하는 특징을 갖는다. 연구자는 추상회화를 통해 ‘추상’이라는 낱말의 본연에서 느껴지는 모호성이나 애매함을 배제하고 주제적 요소를 부각해 반복함으로써 강조하는 방법으로 실제를 현현하고자 하였다. 연구자는 실제를 통해 실체의 일면을 부각하고 반복시킨 추상미술이 극사실주의 미술보다 강한 실재성을 가질 수 있다고 주장하고 있다. 연구자의 추상회화는 보이지 않는 실체를 가시화하여 사실성을 강조한 색채와 회화성으로 표현하는 결과를 낳았다. 재현의 바깥을 재현하는 연구자 작품의 본질은 보이지 않는 것-영적이고 정신적인 측면의 진리와 진실성-의 구현을 위한 끊임없는 미적 추구에 있다. 연구자는 비가시적 세계에 있는 존재에 관한 관심을 미술 안에서 찾고 작업과 사유를 통해 ‘예술작품의 근원’과 ‘진리’를 찾고자 한다. 이러한 연구자의 작품세계를 통틀어 연구자는 이를 ‘하이퍼-추상(Hyper-Abstract)’이라고 명명하고 있다. 연구자의 작품에서 회화성이 강조된 터치감과 색감은 디지털 미디어 시대의 이미지와는 다른 미적 체험을 선사하였다. 연구자가 작품에서 반복적인 선으로 보여주고 있는 레이어는 시간과 공간의 가시화된 표현으로 디지털의 레이어 개념과 흡사하다고 말할 수 있다. 연구자는 이를 ‘별빛 화석’이라고 표현하기도 하였다. 현실에서 우리 눈에 보이는 ‘별빛’을 반복적인 선의 레이어를 통해 구현하는 것은 0과 1을 통해 구현해내는 디지털의 구현 기법과 유사하다. 연구자가 반복적인 레이어를 구성하면서 우리에게 눈에 보이는 ‘별빛’을 그려내는 작업은 ‘화석’처럼 지속적이고 오랜 구성적인 요소의 반복 작업을 통해 구조적인 화풍을 이룩하게 된다. 이는 ‘화석’을 이루는 것처럼 반복적이고 각인된 작업이며 그 작업의 결과물은 관람객에게 아름다운 작품으로 기억된다. 연구자는 작품을 통해 아날로그적 감성과 디지털적 감성의 경계를 넘나들면서 추상성과 사실성의 경계, 평면과 입체가 지워지는 현상에 숭고미를 투영하고 있다. 연구자는 숭고한 체험적 공간을 표현하는 예술 활동을 통해 자아의 경계를 확장하기 위한 시도를 거듭하고 있다. 이로써 연구자가 만들어낸 빛·별·우주의 이미지는 위로·희망·사랑의 메시지를 던진다. 연구자의 작품 활동은 재현을 넘어 행위를 통한 환영의 확장으로 나아간다. 이는 자아의 경계를 확장시키는 결과를 가져왔다. ‘서정’의 본질에 대하여 에른스트 피셔(Ernst Fischer, 1947∼ )가 “근원으로 돌아가고자 하는 욕망”이라고 한 말은 작품에 대한 본질을 시사하고자 한 말이다. 에른스트 피셔, 김성기 역, 『예술이란 무엇인가』, 돌베게, 1984, pp.17∼127. 자아와 세계가 분리되지 않은 원초적인 공간과 시간은 근원적 세계이다. 이러한 기억 속에 남은 공간과 현실적인 자아의 세계는 분열되기 이전의 원초적 공간이나 시간 속으로 갈 수 없다. 단지 사랑의 힘으로 만드는 예술을 통해 향수(享受)가 가능하다. 연구자의 자아가 기다리는 것은 ‘희망의 꽃들이 모여’ ‘빛’이 되는 찰나적 객관적 시간이다. 심정적 미묘함과 삶의 고통에 대한 인식을 해석하고 고요한 내면화로 나타난다. ‘잎새’가 지는 것에서도 놓치지 않는 ‘희망의 빛’을 찾는 것은 어쩌면 작가의 소명이다. 인간이 헤아릴 수 없는 깊이로 구조화된 우주, 밝혀낼 수 없는 무한한 시공간의 경외감 앞에서 희망과 위로를 찾아가는 방식은 예술이 추구하는 주제의 한 요소이다. 우리는 하나의 생명체로 태어난 그 순간부터 몸이 지닌 온갖 감각을 동원하여 세밀한 인식을 축적해나간다. 생애를 통해 기나긴 과정을 거쳐 정보를 체계화하고 그로부터 파생된 세계의 형태를 스스로 구성해나가는 것이다. 그러므로 동일한 물리적 환경 속에서도 경험의 질과 양, 그것을 이끄는 저마다의 조건에 따라 우리 모두의 세계는 놀랍게도 각기 다른 모습을 지니게 된다. 인간이 무언가를 인식한다는 것은 나의 바깥을 하나하나 경험하고 규명해나가는 것으로부터 시작한다. 연구자의 그림은 세계를 인지하는 순간, 스스로 인지하게 되는 나와 바깥의 관계를 프랙털로 구현한다. 연구자는 이러한 과정을 통해 얻게 되는 예술적 요소로 ‘삶의 정수’와 마주하게 된다. 연구자는 인간 풍요의 근원이 물적 자원에서 지식자원으로 전환하는 시대에 사람들에게 새로운 영감과 콘텐츠를 제공하는 예술의 위치를 인간과 초월자의 연결 및 커뮤니케이션 수단으로 본다. 이에 연구자는 사람들에게 좋은 생각을 확산시키고 사랑과 희망의 빛을 전달하며 우주적 정신성과 영성을 꽃피우고자 한다. 연구자는 현시대를 우주의 경계를 넘어 다음 우주까지 보는, 메타버스(metaverse)를 넘어, 멀티버스(multiverse)로의 행보가 기대되는 시기로 본다. 기계적이고 과학적이며 전환적인 이 시기에도 절묘한 조화와 관계의 핵심이 되는 초극적 관계는 ‘사랑’이다. 정신성과 영성이 승리하는 사회를 만드는데 인류를 통합하고 하나로 만드는 가장 큰 축은 예술이자 문화이다. 지금까지는 물질에 허덕이고 물질에 지배받는 사회에서, 이제는 서로 돕고 선한 일을 많이 하고 위대한 정신성이 승리하는 사회가 오고 있다. 예술이야말로 정신성이 우선하는 장르이며, 이러한 사회적 흐름의 구심점이 될 것이다. 연구자는 인류가 지속적인 발전을 이룩하려면 물질 우위에서 영성 우위로 가는 정신사적 전환이 필연적인 것을 몸소 깨닫고 영적 진화의 과정을 반드시 거치기를 희망한다. 대전환의 시대를 열어가는 현대미술사에 있어 영성의 우위에 의한 우주적 조화를 추구하는 연구자의 작가 세계는 유의미하다고 할 수 있을 것이다.
본 연구는 미술사적으로 숭고의 가시적 표현을 대상으로 관련 작품과 특징들을 살펴보고 연구자의 작품에 나타난 숭고의 의미와 그 표현 방식을 분석하고자 한다. 연구 대상 작품은 무한 반복과 확장성, 작품의 규모, 그리고 프랙털 등의 표현 기법의 중요성이 강조되었다. 연구자는 이러한 표현 기법과 표현 매체의 새로운 가능성을 제시하고자 한다. 본 연구에서 연구자는 ‘비가시적(invisible) 경험의 숭고미’를 ‘가시화(visualization)’ 하기 위한 연구 작품의 시각적 구성과 의미를 분석한다. 이로써 연구자는 별과 우주로부터 받은 영감이 수행적 미술 작업을 통해 숭고한 체험으로 승화되었음을 증명한다. 그 과정에서 연구자는 ‘삼중 우주론’과 ‘삼각형 추상’을 정립하였으며, 평면 회화의 평면성을 강조하며 입체적 층의 공간으로 표현된 ‘하이퍼-추상’에 도달했다. 연구자는 비가시적 경험을 통해 궁극적으로 존재론적 숭고에 관한 탐구에 도달했고, 사유의 결과로써 우주적 정신성에 대한 철학의 계기를 마련하였다. 별의 외상 이면에 존재하고 있는 어떤 비가시성과 비가시적 존재를 가시화하는 작업을 통해 ‘우주적 정신성의 표출’에 주력했다. 이를 통해 빛 – 어둠 그리고 보이는 것 - 보이지 않는 것의 양자를 함께 구성하기 시작하였다. ‘행위’와 ‘공간’의 개념은 연구자의 작품 제1기 ‘퍼포먼스 시기(2003∼2014년)’와 제2기 ‘별의 시기(2014∼2022년)’ 회화 전반에 걸쳐 작품 활동의 근간이 되어 일관되게 흐르고 있음을 알 수 있다. 퍼포먼스를 비롯한 다중적 매체 실험을 시도한 제1기와, ‘별’에 집중하여 우주의 정신성과 숭고의 체험을 표현한 제2기에 걸쳐 나타나는 일관된 특징은 미술 작업이라는 수행적 행위를 통해 조형 의지를 표현하였다는 점이다. 연구자의 퍼포먼스 시기에 재현하고자 했던 무의식의 세계는 ‘별’ 도상을 활용한 회화로 마무리되면서 본격적인 별 시기에 들어섰다. 무의식적 상상력을 통한 초현실적 팝아트를 하던 퍼포먼스 시기에서부터 현재의 별 시기로 오기까지 ‘행위’라는 공통분모는 현재성을 가지고 진행 중이다. ‘별 시기’에도 다양한 작업 과정의 ‘수행성’을 거치며 그것이 만들어내는 ‘환영’에 국한되지 않고 다양한 매체 활동을 통한 ‘탈주’를 거듭 시도하였다. 연구자는 미술사의 숭고미에 관한 선행연구를 토대로 연구를 수행하여 기초이론을 정리하였고 연구자의 작품해석과 관련된 자료들을 기초로 하여 문헌을 연구함으로써 연구의 바탕을 마련하고자 하였다. 본 연구는 동시대의 공간과 그 경계에 대한 고찰에서부터 매체의 확장성에 관한 고찰로까지 연구 내용이 이어졌다. 그 결과 연구자는 디지털 매체와 우주적 정신성 간에 ‘확장성’의 측면에서 유사성을 발견하였다. 연구자는 예술에 있어서 정신성이 우주적 영성으로 진화하는 과정을 보여주었다. 연구자는 물질적 우주에서 정신적 우주로, 그리고 영적 우주로 진화하고자 하는 부단한 노력으로 삼중 우주론의 개념을 정립하고자 하였다. 본 연구에서 다룬 연구자의 작품에서, 연구자는 보이지 않는 것으로부터 받은 영감이 숭고한 체험을 거쳐 존재론적 확장에 이르는 과정을 보여주고 있다. 이러한 연구 결과는 향후 숭고미의 실재론 분석 및 작가 연구에 이바지할 것으로 기대된다. 연구자는 작품에서 숭고한 경험을 상징하는 비가시적 소재들로 밤하늘, 별빛, 샛별(모닝스타), 새별, 우주, 먼지, 세포 등을 사용하고 있다. 이러한 소재들을 사용하여 연구자는 작품에 우주적 영성의 상징과 숭고미의 미술사적 관념을 투영하고 있다. 더 나아가 연구자는 이러한 회화 작품을 통해 문학, 과학, 뷰티, 건축 등의 영역과 다양한 협업을 수행하였다. 이 또한 회화 작품으로 이룰 수 있는 존재론적 확장을 보여준다. 이러한 협업은 순수미술이 가진 보편적 특성-시각적으로 투영하는 방법적 요소를 통해 객관적 관찰자에게 직접 흡수되는 특성-을 여러 영역에 광범위하게 활용할 수 있음을 알게 해준다. 이는 순수미술이 가진 보편적 요소나 순수미술의 방법이 어떠한 양식으로 영역 확장에 도달하는지를 나타내는 것이다. 이러한 연구자의 지속적인 영역 확장에의 노력과 새로운 미적 추구는 회화적 순수가 가진 근원적 요소의 존재론적 확장을 보여준다고 할 수 있을 것이다. 연구자는 보이지 않는 것과 우주에 대한 인문학적·종교적 탐구를 밑바탕으로 하여 여러 가지 조형적 발전 요소를 창출하고자 시도하였다. 그 결과 연구자의 추상 개념에서는 사실성(reality)과 추상(abtract)의 경계가 사라졌다. 추상은 결과적으로 표현하고자 하는 주제와 요소 중에서 일면을 부각해 중점적이고 반복적으로 표현하는 특징을 갖는다. 연구자는 추상회화를 통해 ‘추상’이라는 낱말의 본연에서 느껴지는 모호성이나 애매함을 배제하고 주제적 요소를 부각해 반복함으로써 강조하는 방법으로 실제를 현현하고자 하였다. 연구자는 실제를 통해 실체의 일면을 부각하고 반복시킨 추상미술이 극사실주의 미술보다 강한 실재성을 가질 수 있다고 주장하고 있다. 연구자의 추상회화는 보이지 않는 실체를 가시화하여 사실성을 강조한 색채와 회화성으로 표현하는 결과를 낳았다. 재현의 바깥을 재현하는 연구자 작품의 본질은 보이지 않는 것-영적이고 정신적인 측면의 진리와 진실성-의 구현을 위한 끊임없는 미적 추구에 있다. 연구자는 비가시적 세계에 있는 존재에 관한 관심을 미술 안에서 찾고 작업과 사유를 통해 ‘예술작품의 근원’과 ‘진리’를 찾고자 한다. 이러한 연구자의 작품세계를 통틀어 연구자는 이를 ‘하이퍼-추상(Hyper-Abstract)’이라고 명명하고 있다. 연구자의 작품에서 회화성이 강조된 터치감과 색감은 디지털 미디어 시대의 이미지와는 다른 미적 체험을 선사하였다. 연구자가 작품에서 반복적인 선으로 보여주고 있는 레이어는 시간과 공간의 가시화된 표현으로 디지털의 레이어 개념과 흡사하다고 말할 수 있다. 연구자는 이를 ‘별빛 화석’이라고 표현하기도 하였다. 현실에서 우리 눈에 보이는 ‘별빛’을 반복적인 선의 레이어를 통해 구현하는 것은 0과 1을 통해 구현해내는 디지털의 구현 기법과 유사하다. 연구자가 반복적인 레이어를 구성하면서 우리에게 눈에 보이는 ‘별빛’을 그려내는 작업은 ‘화석’처럼 지속적이고 오랜 구성적인 요소의 반복 작업을 통해 구조적인 화풍을 이룩하게 된다. 이는 ‘화석’을 이루는 것처럼 반복적이고 각인된 작업이며 그 작업의 결과물은 관람객에게 아름다운 작품으로 기억된다. 연구자는 작품을 통해 아날로그적 감성과 디지털적 감성의 경계를 넘나들면서 추상성과 사실성의 경계, 평면과 입체가 지워지는 현상에 숭고미를 투영하고 있다. 연구자는 숭고한 체험적 공간을 표현하는 예술 활동을 통해 자아의 경계를 확장하기 위한 시도를 거듭하고 있다. 이로써 연구자가 만들어낸 빛·별·우주의 이미지는 위로·희망·사랑의 메시지를 던진다. 연구자의 작품 활동은 재현을 넘어 행위를 통한 환영의 확장으로 나아간다. 이는 자아의 경계를 확장시키는 결과를 가져왔다. ‘서정’의 본질에 대하여 에른스트 피셔(Ernst Fischer, 1947∼ )가 “근원으로 돌아가고자 하는 욕망”이라고 한 말은 작품에 대한 본질을 시사하고자 한 말이다. 에른스트 피셔, 김성기 역, 『예술이란 무엇인가』, 돌베게, 1984, pp.17∼127. 자아와 세계가 분리되지 않은 원초적인 공간과 시간은 근원적 세계이다. 이러한 기억 속에 남은 공간과 현실적인 자아의 세계는 분열되기 이전의 원초적 공간이나 시간 속으로 갈 수 없다. 단지 사랑의 힘으로 만드는 예술을 통해 향수(享受)가 가능하다. 연구자의 자아가 기다리는 것은 ‘희망의 꽃들이 모여’ ‘빛’이 되는 찰나적 객관적 시간이다. 심정적 미묘함과 삶의 고통에 대한 인식을 해석하고 고요한 내면화로 나타난다. ‘잎새’가 지는 것에서도 놓치지 않는 ‘희망의 빛’을 찾는 것은 어쩌면 작가의 소명이다. 인간이 헤아릴 수 없는 깊이로 구조화된 우주, 밝혀낼 수 없는 무한한 시공간의 경외감 앞에서 희망과 위로를 찾아가는 방식은 예술이 추구하는 주제의 한 요소이다. 우리는 하나의 생명체로 태어난 그 순간부터 몸이 지닌 온갖 감각을 동원하여 세밀한 인식을 축적해나간다. 생애를 통해 기나긴 과정을 거쳐 정보를 체계화하고 그로부터 파생된 세계의 형태를 스스로 구성해나가는 것이다. 그러므로 동일한 물리적 환경 속에서도 경험의 질과 양, 그것을 이끄는 저마다의 조건에 따라 우리 모두의 세계는 놀랍게도 각기 다른 모습을 지니게 된다. 인간이 무언가를 인식한다는 것은 나의 바깥을 하나하나 경험하고 규명해나가는 것으로부터 시작한다. 연구자의 그림은 세계를 인지하는 순간, 스스로 인지하게 되는 나와 바깥의 관계를 프랙털로 구현한다. 연구자는 이러한 과정을 통해 얻게 되는 예술적 요소로 ‘삶의 정수’와 마주하게 된다. 연구자는 인간 풍요의 근원이 물적 자원에서 지식자원으로 전환하는 시대에 사람들에게 새로운 영감과 콘텐츠를 제공하는 예술의 위치를 인간과 초월자의 연결 및 커뮤니케이션 수단으로 본다. 이에 연구자는 사람들에게 좋은 생각을 확산시키고 사랑과 희망의 빛을 전달하며 우주적 정신성과 영성을 꽃피우고자 한다. 연구자는 현시대를 우주의 경계를 넘어 다음 우주까지 보는, 메타버스(metaverse)를 넘어, 멀티버스(multiverse)로의 행보가 기대되는 시기로 본다. 기계적이고 과학적이며 전환적인 이 시기에도 절묘한 조화와 관계의 핵심이 되는 초극적 관계는 ‘사랑’이다. 정신성과 영성이 승리하는 사회를 만드는데 인류를 통합하고 하나로 만드는 가장 큰 축은 예술이자 문화이다. 지금까지는 물질에 허덕이고 물질에 지배받는 사회에서, 이제는 서로 돕고 선한 일을 많이 하고 위대한 정신성이 승리하는 사회가 오고 있다. 예술이야말로 정신성이 우선하는 장르이며, 이러한 사회적 흐름의 구심점이 될 것이다. 연구자는 인류가 지속적인 발전을 이룩하려면 물질 우위에서 영성 우위로 가는 정신사적 전환이 필연적인 것을 몸소 깨닫고 영적 진화의 과정을 반드시 거치기를 희망한다. 대전환의 시대를 열어가는 현대미술사에 있어 영성의 우위에 의한 우주적 조화를 추구하는 연구자의 작가 세계는 유의미하다고 할 수 있을 것이다.
This study examines works and features of the expression of sublime in art history and analyzes the meaning of the sublime and how it is expressed in the researcher's work. The studied artwork was emphasized the importance of expression techniques in the infinite repetition, expandability, scalabili...
This study examines works and features of the expression of sublime in art history and analyzes the meaning of the sublime and how it is expressed in the researcher's work. The studied artwork was emphasized the importance of expression techniques in the infinite repetition, expandability, scalability and fractal. The researcher presents new possibilities for these expression techniques and expressive media. In this study, researcher analyzes the visual composition and meaning of the work to 'visualize' the 'sublimeness of invisible experience’. This proves that the inspiration received from the stars and the universe has been sublimated into a sublime experience through performative artwork. In the process, the researcher established ‘Triple Universe Theory’ and 'Triangular Abstraction', emphasizing the planarity of painting and reaching 'Hyper-Abstract' represented by three-dimensional layers of space in the flat surface of painting. Through invisible experience, the researcher ultimately reached the quest for ontological sublimity and, as a result of the reasons, provided an opportunity for a philosophy of cosmic mentality. The researcher focused on the ‘manifestation of cosmic mentality’ by visualizing certain non-visible and non-visible beings behind the trauma of the stars. Through this, light – darkness and the visible – began to construct together the quantum of the invisible. The concept of ‘action’ and ‘space’ is the basis of the researcher’s art activities throughout both the first period of the ‘Performance Period (2003-2014)’ and the second period of ‘Star Period (2014-2022)’. A consistent characteristic that appears throughout the first period of attempting multiple media experiments, including performance, and the second period, which expresses the spirit of the universe and the experience of sublimity by focusing on ‘star’ is that it expresses a formative will through the performative act of artwork. The unconscious world that the researcher wanted to recreate during the performance period entered a full-fledged star period, by finishing with paintings using ‘star’ in pop art manner. From the performance period of surreal pop art through unconscious imagination to the present star period, the common denominator of ‘acting’ is ongoing with current. Even at the ‘star’ period researcher repeatedly attempted to ‘breakout’ through various media activities, not limited to the ‘illusion’ it creates through the ‘performance’ of various workflows. The purpose of this study to examine the meaning of the sublime in researcher’s ‘Universe_( )’ series artwork of the ‘Star’ period (2014∼2022) to establish the work theory. The focus was placed on the originality of the researcher's sublime experiential spatial expression. Based on previous studies on the sublime aesthetics of art history, basic theories were organized, and literature research was conducted based on the data related to art criticism and interpretation of the researcher's work. The contents of the study led from a study of contemporary space and its boundaries to a study of the scalability of media. As a result, the researcher found a similarity between the expandability of digital media and spirituality. This evolved into a cosmic spirituality and ultimately established the ‘Triple Universe Theory’ consisting of matter, mind, and spirit. The researcher's work shows the process in which inspiration from the invisible arena reaches ontological expansion through the sublime experience. These research results will make an academic contribution to the analysis of the realism of the sublime. The researcher uses the night sky, starlight, morning star, space, dust, and cells as invisible materials symbolizing the sublime experience in the work. Using these materials projects the symbol of cosmic spirituality and the art-historical concept of the sublime. Furthermore, the paintings have drawn from fields such as literature, science, fashion, and architecture and collaborated with professionals in those fields. This also shows an ontological expansion from painting. This collaboration demonstrates the widespread use of the universal characteristics of fine art – characteristics that are directly absorbed by objective observers through methodical elements that are visually projected - in many areas. This is an indication of how the universal elements of fine art, or the method of fine art reach the expansion of the realm. These researcher's efforts to continuously expand the realm and their new aesthetic pursuits demonstrate the ontological expansion of the underlying elements of painterly innocence. The researcher made various formative attempts based on humanistic and religious inquiry into the invisible aspects of the universe. As a result, the boundary between reality and abstraction was erased in the conception of the researcher. The characteristic of abstraction is to emphasize one aspect of the object to be expressed and to express it repeatedly. Through abstract painting the researcher realized something substantial by removing the ambiguity felt in the words of abstraction and highlighting, emphasizing, and repeating certain aspects of the essence of the object. Abstract art, which emphasized one side of reality, has resulted in a stronger reality for the researcher than hyper-realism or photo-realism art. The substance of the researcher's work that reproduces elements outside of representation is to discover the truth of the invisible world. The researcher's work is to find interest in the existence of the invisible world in art, and to find the truth through working and thinking about where the 'Source of Works of Art' may be found. Collectively, throughout the process of work, the researcher named this visual searching ‘Hyper-Abstract’. In the researcher's work, the touch and color emphasized in the painting provided an aesthetic experience different from the image in the digital media era. In the researcher's work, layer construction is a visualized expression of time and space, similar to the concept of a digital layer, and the researcher has also titled it 'Starlight Fossil'. In reality, implementing our visible ‘starlight’ through a layer of repetitive lines is similar to the digital implementation technique implemented through 0 and 1. As researcher constructs repetitive layers, drawing the visible ‘starlight’ on us achieves a structural firestorm through continuous, long-standing components such as fossils. It is a repetitive and imprinted work, like a ‘fossil’ and the result of that work is remembered as a beautiful work for the visitor. The researcher crossed the boundaries between analog and digital sensibility through the work and projected the sublime aesthetics on the boundary between abstraction and realism, and the phenomenon in which planes and three-dimensionality are erased. The researcher expanded the boundaries of the self through artistic activities using the expression of sublime experiential space. The images of light, stars, and the universe created by the researcher throw messages of comfort, hope, and love, and show illusions and expansions created through actions beyond representation. Regarding the nature of ‘lyric’ Ernst Fischer (1947∼ ) said, “The desire to return to the source” was intended to suggest the essence of the work. Primordial space and time, where the self and the world are not separated, are the underlying worlds. The world of space and realistic self-left in these memories cannot go into primordial space or time before division. Nostalgia is possible through art made only by the power of love. What the researcher's ego waits for is a fleeting objective time in which ‘the flowers of hope gather’ and become ‘light’. It interprets the emotional subtlety and perception of the pain of life and manifests itself as a serene internalization. It is perhaps the artist's calling to find a ‘light of hope’ that is not missed even if the ‘leaf’ loses. The way man seeks hope and comfort in the awe of an inscrutable universe of incalculable depths, an indefinable infinite time and space, is an element of art's pursuit of the subject. From the moment we are born into a single living entity, we use all kinds of senses of our bodies to accumulate detailed awareness. Throughout life, it is through a long process of organizing information and self-forming the forms of the world derived from it. Therefore, even in the same physical environment, the quality and quantity of experience, and the conditions under which it leads, make all of our worlds surprisingly different. Human awareness of something begins with experiencing and identifying my outside one by one. The researcher's picture fractalizes the relationship between me and the outside that becomes self-aware as soon as the world is recognized. Researcher encounters the ‘essence of life’ as an artistic element gained through this process. Researcher sees the location of art as a means of human-transcendental connection and communication in an age when the source of human abundance transitions from physical resources to knowledge resources, providing people with new inspiration and content. The researcher wants to spread good ideas to people, convey the light of love and hope, and blossom cosmic spirit and spirituality. The researcher sees the present age as a time when the movement beyond the metaverse, which sees the universe beyond the boundaries of the universe to the next, is expected to be multiverse. Even in this mechanical, scientific and transitional time, the super-polar relationship at the heart of exquisite harmony and relationships is 'love'. Art and culture are the biggest pillars of integrating and bringing humanity together to create a society where mentality and spirituality triumph. Until now, in a society that is subject to matter and domination, there is now a society that helps one another does much of its good and has a great mentality triumph. Art is a genre where mentality prevails, and it will be the center of this social flow. The researcher hopes that for mankind to achieve continuous development, it will always go through the process of spiritual evolution, realizing the inevitability of a mental and spiritual transition from material dominance to spiritual dominance. The researcher's art world, which seeks cosmic harmony by spiritual superiority in contemporary art that ushers in the era of great transition, is significant.
This study examines works and features of the expression of sublime in art history and analyzes the meaning of the sublime and how it is expressed in the researcher's work. The studied artwork was emphasized the importance of expression techniques in the infinite repetition, expandability, scalability and fractal. The researcher presents new possibilities for these expression techniques and expressive media. In this study, researcher analyzes the visual composition and meaning of the work to 'visualize' the 'sublimeness of invisible experience’. This proves that the inspiration received from the stars and the universe has been sublimated into a sublime experience through performative artwork. In the process, the researcher established ‘Triple Universe Theory’ and 'Triangular Abstraction', emphasizing the planarity of painting and reaching 'Hyper-Abstract' represented by three-dimensional layers of space in the flat surface of painting. Through invisible experience, the researcher ultimately reached the quest for ontological sublimity and, as a result of the reasons, provided an opportunity for a philosophy of cosmic mentality. The researcher focused on the ‘manifestation of cosmic mentality’ by visualizing certain non-visible and non-visible beings behind the trauma of the stars. Through this, light – darkness and the visible – began to construct together the quantum of the invisible. The concept of ‘action’ and ‘space’ is the basis of the researcher’s art activities throughout both the first period of the ‘Performance Period (2003-2014)’ and the second period of ‘Star Period (2014-2022)’. A consistent characteristic that appears throughout the first period of attempting multiple media experiments, including performance, and the second period, which expresses the spirit of the universe and the experience of sublimity by focusing on ‘star’ is that it expresses a formative will through the performative act of artwork. The unconscious world that the researcher wanted to recreate during the performance period entered a full-fledged star period, by finishing with paintings using ‘star’ in pop art manner. From the performance period of surreal pop art through unconscious imagination to the present star period, the common denominator of ‘acting’ is ongoing with current. Even at the ‘star’ period researcher repeatedly attempted to ‘breakout’ through various media activities, not limited to the ‘illusion’ it creates through the ‘performance’ of various workflows. The purpose of this study to examine the meaning of the sublime in researcher’s ‘Universe_( )’ series artwork of the ‘Star’ period (2014∼2022) to establish the work theory. The focus was placed on the originality of the researcher's sublime experiential spatial expression. Based on previous studies on the sublime aesthetics of art history, basic theories were organized, and literature research was conducted based on the data related to art criticism and interpretation of the researcher's work. The contents of the study led from a study of contemporary space and its boundaries to a study of the scalability of media. As a result, the researcher found a similarity between the expandability of digital media and spirituality. This evolved into a cosmic spirituality and ultimately established the ‘Triple Universe Theory’ consisting of matter, mind, and spirit. The researcher's work shows the process in which inspiration from the invisible arena reaches ontological expansion through the sublime experience. These research results will make an academic contribution to the analysis of the realism of the sublime. The researcher uses the night sky, starlight, morning star, space, dust, and cells as invisible materials symbolizing the sublime experience in the work. Using these materials projects the symbol of cosmic spirituality and the art-historical concept of the sublime. Furthermore, the paintings have drawn from fields such as literature, science, fashion, and architecture and collaborated with professionals in those fields. This also shows an ontological expansion from painting. This collaboration demonstrates the widespread use of the universal characteristics of fine art – characteristics that are directly absorbed by objective observers through methodical elements that are visually projected - in many areas. This is an indication of how the universal elements of fine art, or the method of fine art reach the expansion of the realm. These researcher's efforts to continuously expand the realm and their new aesthetic pursuits demonstrate the ontological expansion of the underlying elements of painterly innocence. The researcher made various formative attempts based on humanistic and religious inquiry into the invisible aspects of the universe. As a result, the boundary between reality and abstraction was erased in the conception of the researcher. The characteristic of abstraction is to emphasize one aspect of the object to be expressed and to express it repeatedly. Through abstract painting the researcher realized something substantial by removing the ambiguity felt in the words of abstraction and highlighting, emphasizing, and repeating certain aspects of the essence of the object. Abstract art, which emphasized one side of reality, has resulted in a stronger reality for the researcher than hyper-realism or photo-realism art. The substance of the researcher's work that reproduces elements outside of representation is to discover the truth of the invisible world. The researcher's work is to find interest in the existence of the invisible world in art, and to find the truth through working and thinking about where the 'Source of Works of Art' may be found. Collectively, throughout the process of work, the researcher named this visual searching ‘Hyper-Abstract’. In the researcher's work, the touch and color emphasized in the painting provided an aesthetic experience different from the image in the digital media era. In the researcher's work, layer construction is a visualized expression of time and space, similar to the concept of a digital layer, and the researcher has also titled it 'Starlight Fossil'. In reality, implementing our visible ‘starlight’ through a layer of repetitive lines is similar to the digital implementation technique implemented through 0 and 1. As researcher constructs repetitive layers, drawing the visible ‘starlight’ on us achieves a structural firestorm through continuous, long-standing components such as fossils. It is a repetitive and imprinted work, like a ‘fossil’ and the result of that work is remembered as a beautiful work for the visitor. The researcher crossed the boundaries between analog and digital sensibility through the work and projected the sublime aesthetics on the boundary between abstraction and realism, and the phenomenon in which planes and three-dimensionality are erased. The researcher expanded the boundaries of the self through artistic activities using the expression of sublime experiential space. The images of light, stars, and the universe created by the researcher throw messages of comfort, hope, and love, and show illusions and expansions created through actions beyond representation. Regarding the nature of ‘lyric’ Ernst Fischer (1947∼ ) said, “The desire to return to the source” was intended to suggest the essence of the work. Primordial space and time, where the self and the world are not separated, are the underlying worlds. The world of space and realistic self-left in these memories cannot go into primordial space or time before division. Nostalgia is possible through art made only by the power of love. What the researcher's ego waits for is a fleeting objective time in which ‘the flowers of hope gather’ and become ‘light’. It interprets the emotional subtlety and perception of the pain of life and manifests itself as a serene internalization. It is perhaps the artist's calling to find a ‘light of hope’ that is not missed even if the ‘leaf’ loses. The way man seeks hope and comfort in the awe of an inscrutable universe of incalculable depths, an indefinable infinite time and space, is an element of art's pursuit of the subject. From the moment we are born into a single living entity, we use all kinds of senses of our bodies to accumulate detailed awareness. Throughout life, it is through a long process of organizing information and self-forming the forms of the world derived from it. Therefore, even in the same physical environment, the quality and quantity of experience, and the conditions under which it leads, make all of our worlds surprisingly different. Human awareness of something begins with experiencing and identifying my outside one by one. The researcher's picture fractalizes the relationship between me and the outside that becomes self-aware as soon as the world is recognized. Researcher encounters the ‘essence of life’ as an artistic element gained through this process. Researcher sees the location of art as a means of human-transcendental connection and communication in an age when the source of human abundance transitions from physical resources to knowledge resources, providing people with new inspiration and content. The researcher wants to spread good ideas to people, convey the light of love and hope, and blossom cosmic spirit and spirituality. The researcher sees the present age as a time when the movement beyond the metaverse, which sees the universe beyond the boundaries of the universe to the next, is expected to be multiverse. Even in this mechanical, scientific and transitional time, the super-polar relationship at the heart of exquisite harmony and relationships is 'love'. Art and culture are the biggest pillars of integrating and bringing humanity together to create a society where mentality and spirituality triumph. Until now, in a society that is subject to matter and domination, there is now a society that helps one another does much of its good and has a great mentality triumph. Art is a genre where mentality prevails, and it will be the center of this social flow. The researcher hopes that for mankind to achieve continuous development, it will always go through the process of spiritual evolution, realizing the inevitability of a mental and spiritual transition from material dominance to spiritual dominance. The researcher's art world, which seeks cosmic harmony by spiritual superiority in contemporary art that ushers in the era of great transition, is significant.
주제어
#숭고미 별 프랙털 비가시성 반복 성희승 별작가 스타리아 우주 현대미술 현대회화 미술 회화 sublime aesthetic star fractal invisible repetition
학위논문 정보
저자
성희승
학위수여기관
국민대학교 일반대학원
학위구분
국내박사
학과
미술학과 회화전공
지도교수
이준형
발행연도
2022
총페이지
xiii, 201
키워드
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